159 JAZZ (s)

Après Love Is Everywhere, Laurent Bardainne emporte son Tigre d'Eau Douce dans une exploration dédiée à l'astre du jour. Arnaud Roulin (complice de Bardainne dans Thomas de Pourquery Supersonic) à l'orgue Hammond, Sylvain Daniel (Camélia Jordana et l'ONJ) à la basse, Philippe Gleizes à la batterie, Roger Raspail aux percussions : c'est avec le même quartet de fidèles qu'il a écrit ces nouvelles aventures félines. Le saxophone mat de Bardainne laissant les grands noms du jazz spirituel faire écho dans ses clés, le compas musical ouvert depuis le hip hop jusqu'aux rythmes africains, de Pharoah Sanders à Kruhangbin et Sault, Hymne Au Soleil guide le Tigre dans un voyage onirique et cinématographique vers une soul rétro futuriste solaire.

"First Noel est un album de 25 grands traditionnels de Noël et de 3 morceaux inédits que j'ai composés pour célébrer à la fois le tout premier Noël de mon fils et le tout dernier de ma grand-mère Odette l'année passée. Les souvenirs que je garde de Noël sont pleins de moments merveilleux et j'ai tenu à enregistrer l'album en restant fidèle à la magie de ces moments." Ibrahim Maalouf

Avec ce deuxième opus, Arnaud Dolmen se révèle davantage, autant en qualité de compositeur de lignes de sonorités et de couleurs nouvelles, dans une singularité qui lui est propre, que sur des techniques de jeux libres et une esthétique profondément jazz. Le jeu très libre et très ouvert appartient fondamentalement au genre jazz et se revendique comme tel. Il approche pleinement de l'expérimental mais il flotte aussi sur une ligne traditionnelle assez subtile pour se fondre sur d'autres registres très disparates et tout autant insaisissables. C'est véritablement à l'endroit des liaisons et des entrelacements que se trouve la puissance de frappe de l'artiste qui génère des impressions et des images changeantes en permanence mais complémentaires les unes avec les autres. Nourries d'une densité d'apports musicaux d'origines diversifiées et riche de sa culture du gwoka, toutes ces musiques mises en contacts au travers de ses compositions créent en effet des données nouvelles totalement imprévisibles dont le dénominateur commun reste le jazz. Bien que denses, en effet, ses compositions sont soutenues par un jeu profondément aéré qui s'impose en maturité. Même le son de l'accordéon de Vincent Peirani possède une double lecture intemporelle et non située dans l'espace lui prodiguant les possibilités d'un ailleurs indéfini. Arnaud Dolmen a choisi deux autres invitées très engagées : Moonlight Benjamin transporte à travers sa voix un message fort d'une profondeur certaine. Naïssam Jalal, produit un jeu d'une envolée lyrique parfaitement maîtrisée. Elle fait intervenir le questionnement puis l'assurance de la plénitude du moment. Son jeu est puissant. La caractéristique de cet opus est la juxtaposition ou la surimpression qui n'est pas la répétition. Le double saxophone y est sans doute pour quelque chose. Le niveau rythmique vient imposer sa marque et répond à une exigence absolue.

La question pourrait être : "Comment sortir de (chez) soi ?" Car si Henri Texier a donné le titre aussi paradoxal qu'explicite à ce disque c'est qu'il ne fait aucun doute dans son esprit que la musique qui le compose n'aurait jamais vu je jour sous cette forme sans l'épisode du confinement. "Il se trouve qu'avec Sébastien, mon fils mais aussi mon plus fidèle partenaire depuis près de 30 ans, nous habitons le même village ! Quand on s'est retrouvé enfermés à cause de l'épidémie de Covid-19, on s'est dit qu'au lieu de se morfondre chacun chez soi, on pourrait peut-être braver les interdits et se réunir deux ou trois fois par semaine -- pour continuer à jouer, tout simplement. Au départ, c'était juste ça : un geste de survie un peu instinctif, une réponse directe et spontanée à la nécessité où l'on se trouvait de ne pas laisser la musique s'échapper !" "Ce que l'on sent dans ce disque, c'est l'impulsion initiale : on n'avait pas d'argument à défendre ; pas de justification à donner ; pas de concept à incarner ; pas d'histoire extramusicale à défendre ou à illustrer -- on a juste fait de la musique dans un réflexe de survie, pour la beauté du geste !" De la musique pure, de la musique nue, de la musique libre...

Dix ans après la formation de son supergroupe Supersonic, satellisé dans l'orbite de Sun Ra, le saxophoniste-chanteur Thomas de Pourquery reprend les commandes du vaisseau amiral dont Back To The Moon marque le troisième décollage. Où l'on croise Mingus, une histoire d'amour, E.T., Caetano Veloso en kikongo, un robot et des chansons épiques. Visez la Lune !

Reflet spontané des influences multiples bouillonnant en lui, Kreolia s'inscrit dans la continuité du premier album du saxophoniste martiniquais comme : "Un tour de force effectué avec aisance qui ravira sûrement le public" (Les Inrocks). Initié par une commande du festival Jazz à Vienne autour d'un hommage à Madlib, producteur culte de hip-hop, le projet a muté en un répertoire de compositions audacieuses, servies par un noyau dur de cinq improvisateurs hors-pair sans oeillères stylistiques. Dans cet esprit collectif, la diversité des styles jaillit à travers un jazz aventureux qui vient pousser la chanson et le hiphop hors de leur zone de confort. L'album se révèle fédérateur sans sacrifier la sophistication de l'écriture et l'expérimentation, signatures du compositeur. On y entend le rappeur MED, acolyte de Madlib et Aloe Blacc, la chanteuse Genevieve Artadi (Knower), récente signature du fameux label Brainfeeder, le vétéran Dwight Trible et la chanteuse pop-rock française Ruppert Pupkin. Un festin auditif duquel ressortent aussi des perles instrumentales : un hommage galvanisant à Roy Hargrove, une reprise d'Alain Jean-Marie arrangée en mode broken-beat et bien d'autres échappées.

"Au printemps 2020, le temps s'est arrêté. Forcé a annuler des dizaines de concerts, près des miens dans mon appartement, malade, j'ai été poussé à l'introspection. Un arrêt sur conscience au carrefour de mes cinquante ans et de la fin du monde ou du moins de ce monde que j'ai connu et qui m'était familier. J'ai profité de cette brêche dans l'espace temps pour faire un disque de mélodies intimes, telles des fulgurances de ma jeunesse musicale du temps d'avant le temps d'avant lorsque je n'imaginais pas enregister des disques, parcourir les cieux et jouer pour les gens, lorsque personne ne pouvait imaginer avoir un jour à convaincre des algorythmes, et non des coeurs du bien fondé de nos oeuvres. J'ai donc joué au temps présent, du mieux que j'ai pu ; pour nous les humains. Je me suis échappé de mon confinement, d'un air conspirateur toutes les semaines pour enregistrer un bout de ma solitude et le mettre de côté. Des pensées isolées, arêtées dans le temps et l'espace. Comme nous l'étions. L'étions-nous ?" Giovanni Mirabassi

Quand sa mère lui rapporte l'album Salt song de Stanley Turrentine d'un voyage au Canada, Julien Lourau, adolescent, est impressionné par l'ampleur du son et le groove du saxophoniste. Il est aussi séduit par les arrangements luxuriants et le son funky de l'ensemble qui caractérisent les productions du label CTI. Créé par le producteur Creed Taylor, CTI marquera les esprits des amateurs de jazz dans les années 70 comme Blue Note dans les années 60, hébergeant même des artistes qui débutèrent sur le prestigieux label comme Stanley Turrentine ou Freddie Hubbard. Ces deux labels partagent aussi le même ingénieur du son, le maître Rudy van Gelder. Mais CTI, très productif pendant sa quinzaine d'années d'activité, ne jouit pas aujourd'hui de la même aura populaire que son prédécesseur. "Pour imaginer cet album, j'ai réécouté énormément de morceaux de CTI, j'en ai découvert certains et j'ai remarqué, bizarrement, que beaucoup de musiciens d'aujourd'hui connaissaient très mal CTI, label considéré comme mineur. A tort."

Awé marque la fin d'une trilogie pour Samy Thiébault. Caribbean Stories en avait été le versant initiatique, creusant au saxophone ténor les racines des musiques caribéennes tout comme les rêves et les cicatrices de ceux qui les ont vivifiées. Entre inspiration indienne et grande formation, Symphonic Tales optait pour un autre écrin sans rien renier d'une spiritualité coltranienne sans cesse enrichie. Awé ! synthétise, ou plutôt "créolise" ces deux aventures. On y retrouve les Caraïbes, mais avec des accents plus modernes. Dans le même mouvement, le saxophoniste prolonge une certaine fougue orchestrale made in France en convoquant à nouveau cordes et bois. Il réalise aussi un vieux rêve : embarquer avec lui son ami, le pianiste Eric Legnini.

Le guitariste incontournable revient avec son 26e album studio. Cet opus de 15 titres comprend de nombreux invités prestigieux comme Diane Warren, Chris Stapleton, Kirk Hammett ou encore G - Eazy. Pour l'occasion, il réunit également Santana avec son collaborateur le plus célèbre, Rob Thomas. Du Santana à l'état pur !

Archie Shepp et Jason Moran : il y a des rencontres qui révèlent comme un fil de trame dans l'histoire de la musique. Des résonances jusqu'ici presque imperceptibles,et qui soudain s'entendent clairement.

Se mesurer à l'oeuvre de Morricone relève du sacré, d'autant plus quand les Artistes principaux qui signent cet hommage, Ferruccio Spinetti et Giovanni Ceccarelli sont tous deux italiens. "Ennio Morricone nous fascine par sa capacité à composer des mélodies, lesquelles, une fois écoutées, restent dans l'imaginaire et en mémoire pour toujours. Un très grand mélodiste... Peut-être le plus grand compositeur Italien après Puccini." (Giovanni Ceccarelli) Face à l'immensité de l'oeuvre de Morricone, la première étape préparatoire de ce projet consista dans l'établissement du choix du répertoire des oeuvres, un choix qui puisse évoquer son considérable spectre musical tout en ne se limitant pas qu'à des interprétations d'oeuvres connues. La sélection des oeuvres qui figurent sur l'album 'More Morricone' est donc le fruit d'un travail commun des Artistes, de la production mais également de Massimo Cardinaletti, très grand expert de musiques de films et ami proche d'Ennio Morricone. "More Morricone" est un album précieux et délicat dans lesquelles les oeuvres de Morricone sont sublimées par deux artistes dont l'amitié et les collaborations musicales qui les lient depuis plus de 20 ans en ont permis la réalisation.

Tout nouveau disque de Michel Portal est, en soi, un événement. Certains, plus que d'autres... Ainsi MP85. D'abord, parce qu'il vient rompre, avec éclat(s), un trop long silence, ensuite parce qu'il célèbre les grandes retrouvailles du musicien avec Label Bleu - 23 ans après que Dockings a clôturé en beauté une collaboration féconde qui tout au long des années 90 aura donné naissance à quelques oeuvres clés de sa discographie ! Enfin (et surtout !) parce qu'à 85 ans, tout à la fois monstre sacré incontesté de la scène jazz européenne et éternel électron libre, Michel Portal, soucieux de ne jamais "se fixer" une fois pour toute dans un style ou dans un genre, signe avec ce disque joyeux et iconoclaste l'exact opposé de l'oeuvre testamentaire que d'aucuns escompteraient de lui à cet instant de sa carrière !

Au XXIe siècle, il existerait encore des contrées à explorer, des plages musicales à fouler, si l'on en croit ce compositeur vagabond. Eriger des ponts pour abattre les chapelles, casser les codes, les formules récurrentes, redessiner la mappemonde musicale... Tel était le fil rouge de cet album qui fait cohabiter les modes de jeu de la musique classique, contemporaine, et du jazz. Deux mondes aux antipodes l'un de l'autre : l'écriture face à l'improvisation, le solfège face à la tradition orale, un certain académisme contre un soi-disant anarchisme. "J'ai baigné dans ces univers, ce sont deux facettes de ma personnalité. Les dissocier équivaudrait à me diviser. Je voulais créer une zone de rencontre, trouver un entre-deux", résume Samuel Strouk. Quatuor à cordes, trio jazz, pourquoi choisir quand on peut les réunir sur une même scène ? C'est ce qu'a réalisé l'audacieux guitariste parisien, qui n'a de cesse d'inventer sa propre grammaire musicale. Cela fait quelques années que cet artiste sans frontières ni oeillères, directeur musical et artistique, fouille cette veine à la recherche de partitions apocryphes : avec son album Silent Walk (2017), il proposait un quintet sans batterie naviguant entre jazz et musique classique ; avec Loco Cello (2019), il invitait le jazz manouche dans la musique de chambre. Dans ce nouvel album, Samuel Strouk poursuit ses recherches en "confrontant la batterie, ses couleurs et ses riches fréquences, au quatuor à cordes".

Après trois années d'aventures artistiques avec le trio DADADA et un premier album, intitulé " Saison 3 ", produit par le prestigieux Label Bleu en 2017, Roberto Negro, pianiste et compositeur poursuit son audacieuse avancée musicale dans les chemins inattendus avec un tout nouveau répertoire intitulé " Papier Ciseau ". Avec ses thématiques nocturnes et oniriques aux fluctuations imperceptibles et un certain goût pour la surprise, Saison 3 de DADADA fascinait par ses jeux de timbres, ses tonalités mystérieuses et son utilisation d'effets électroniques subtils, particularités que nous retrouvons dans les compositions de ce nouveau répertoire. Un saxophone miraculeusement habité ; un piano fabuleusement décliné ; un percussionniste en chorégraphe sensualiste et pour ce nouvel opus, un bassiste brûlant, l'équipe de Papier Ciseau part dans une quête musicale essentialiste. A travers ses compositions, Roberto Negro nous invite aux mémoires de l'enfance et à l'aventure de l'apprentissage. Sur un chemin insolite et parfois déroutant, où perception et découpe du temps paraissent par moments incontrôlés, la musique nous transporte dans un univers décliné par des mélodies tantôt ludiques, tantôt naïves et parfois franchement étourdissantes et électriques.